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Tag Archives : painting

En : Actualités

ENL Aquarelles, ensembles de base

Lorsqu'il s'agit de voyager ou de travailler en dehors du studio, il est toujours utile de disposer d'une palette de couleurs spéciale. ENL Set d'aquarelles de base contient quinze couleurs essentielles dans des godets de 2 ml. J'ai créé ce coffret en me basant sur mon expérience personnelle et en respectant les traditions des écoles d'art classiques :

  • Hansa Lemon - PY3 ** st
  • Jaune primaire - PY154 *** ∆ t
  • Carotte Orange - PO5, PY1 ** ∆ t
  • Rouge pyrrole - PR254 *** ∆ t
  • Quinacridone Magenta - PV19, PR122, PW18 ** ∆ t
  • Violet - PV19, PB29 *** ∆ t
  • Outremer - PB29 *** G st
  • Phtalomarine - PB15:3, PB29 *** ∆ t
  • Vert émeraude - PG7, PW18 *** ∆ t
  • Vert d'eau - PG8 ** ∆ t
  • Ocre jaune - PY42-43 *** G st
  • Terre de Sienne - PBr7 *** G st
  • Ocre rouge - PR101 *** G st
  • Ombre foncé - PBr8 *** G t
  • Mars Black - PBk11 *** G t

Le set est livré avec une petite boîte en fer blanc qui peut facilement contenir toutes les couleurs. Pour fixer les pots, des petits tampons de colle ronds sont fournis. Déballez la peinture, collez un autocollant rond au fond du pot et insérez-le dans le fond de la boîte. Les peintures sont assez serrées, il est donc recommandé de déballer d'abord toutes les couleurs et de les arranger pour trouver la bonne position pour toutes les couleurs.

Les autocollants sont amovibles et réutilisables, ce qui signifie que si vous souhaitez remplacer telle ou telle couleur par une autre, c'est facilement réalisable.

Ces couleurs de base permettent de recréer techniquement toutes les couleurs du spectre ainsi que les nuances. Cependant, chaque artiste est unique et peut vouloir créer ses propres sets. Pour l'achat de 15 peintures ou plus, nous offrons le coffret en cadeau.

Nous sommes à la recherche d'autres options d'emballage qui seraient légères, sans plastique et pas trop chères.

 

Peinture à l'huile
En : Actualités

RUSART Naturals Oil Brush Cleanser dans l'utilisation

Nous avons déjà parlé de Différentes façons de nettoyer les pinceaux pour la peinture à l'huile. La plupart des méthodes sont soit toxiques, soit salissantes, soit les deux. Elena, la propriétaire de RUSART, est très sensible aux térébenthines et aux solvants. Même une courte exposition à ces produits chimiques la "récompense" par de violents maux de tête qui durent un jour ou deux. Travaillant principalement avec des peintures à l'huile, Elena a mis au point une formule très simple et efficace pour nettoyer les pinceaux. RUSART Naturals Nettoyant pour brosse à huile.

Trois ingrédients naturels simples suffisent :

  • Huile essentielle de citron
  • Huile de coco MCT
  • Glycérine

Mélangés dans les bonnes proportions, ils donnent des résultats étonnants. Ce médium entièrement naturel nettoie vos pinceaux à huile en quelques secondes et les garde doux et flexibles, comme s'ils étaient neufs. C'est à la fois un nettoyant et un revitalisant.

Nous recommandons d'utiliser des gants lors du nettoyage, car l'huile de citron (ainsi que de nombreuses huiles naturelles d'agrumes) appliquée sur la peau et exposée au soleil peut former une pigmentation sur votre peau.

Regardez cette courte vidéo qui montre comment l'utiliser :

Comment utiliser le médium aquarelle
En : Pratique

Comment utiliser le médium aquarelle ?

Si pour huile ou acrylique peinture nous avons beaucoup supports Le médium pour aquarelle semble un peu bizarre : pourquoi l'aquarelle a-t-elle besoin d'un médium ? Il n'y a pas de texture à construire, il n'y a pas besoin d'augmenter ou de réduire le temps de séchage ? Pourquoi ai-je besoin d'un médium pour l'aquarelle ?

En fait, la plupart des aquarellistes peignent sans ajouter de médium. Cependant, dans certaines situations, le médium permet d'améliorer les performances de la peinture.

Qu'est-ce que l'aquarelle ?

D'une manière générale, le médium pour aquarelle contient de la gomme arabique comme composant principal. Traditionnellement, toutes les aquarelles contenaient de la gomme arabique comme liant. Toutefois, avec le temps, la gomme arabique a été partiellement remplacée dans la production de masse par d'autres ingrédients à base de sucre (tels que la dextrine) afin de réduire les coûts.

La gomme arabique est une sève naturelle provenant de certaines espèces d'acacias. Elle est très utilisée en pâtisserie et RUSART, par exemple, achète de la gomme arabique de qualité alimentaire auprès de vendeurs de produits alimentaires afin de garantir des normes de sécurité élevées. Les boulangers ajoutent la gomme arabique aux glaçages, aux chewing-gums, aux fourrages, etc., car elle agit comme stabilisateur, empêchant le sucre de cristalliser, et comme émulsifiant, donnant une consistance homogène et lisse aux produits.

Pour les artistes, nous utilisons une solution de gomme arabique avec quelques additifs. Pour nos Médium aquarelle RUSART Naturals nous utilisons une petite quantité de miel et de glycérine comme plastifiants et des huiles essentielles comme conservateurs. 

Nous avons effectué quelques tests avec le médium aquarelle RUSART Naturals et nous partageons maintenant les résultats avec vous.

Le médium aquarelle sépare les zones de peinture

 Nous avons d'abord appliqué de l'aquarelle diluée sur une moitié de la feuille de papier et l'avons laissée sécher. Nous avons ensuite appliqué la peinture en technique humide sur le papier nu et sur le médium appliqué.

Comme vous pouvez le constater, le médium pour aquarelle empêche la peinture de s'écouler, ce qui crée des limites assez évidentes entre les couleurs.

Pourquoi ? La gomme arabique fonctionne comme une colle et un agent de maintien, et pas seulement pour les aquarelles. Par exemple, pour les techniques d'émaillage à chaud, lorsque les artistes étalent de la poudre de verre sur des surfaces métalliques, ils utilisent un agent de maintien à base de gomme arabique, s'ils souhaitent fixer l'émail à certains endroits.

Le médium pour aquarelle aide à effacer les lignes

Nous avons laissé sécher les pièces expérimentales, puis nous avons utilisé de l'eau et un pinceau imitant l'écureuil pour enlever la peinture.

La peinture s'est décollée sans effort du papier AVEC le médium, laissant derrière elle des lignes complètement blanches. Sans médium, la peinture ne s'est pas entièrement décollée. 

Pourquoi ? L'aquarelle crée une fine pellicule entre la peinture et le papier qui empêche la peinture d'être absorbée par la fibre de coton. Ainsi, si vous avez l'intention de corriger souvent votre peinture, ou si vous travaillez avec de l'huile d'olive, il est préférable d'utiliser du vernis à l'eau. pigments organiques synthétiques (jaune hanza, rouge naphtol, rouge pyrrole, bleu ou vert phtalique, etc.), utilisez du médium pour aquarelle afin de pouvoir corriger vos traits après l'application. Tous les pigments organiques synthétiques ont un pouvoir colorant plus fort que les pigments minéraux. 

Les pigments minéraux ne présentent pas cette différence spectaculaire. De même, si votre papier contient moins de coton, l'effet de l'aquarelle sera moins intense.

Le médium pour aquarelle rend certaines couleurs plus lumineuses

Comme le montre l'image, les couleurs de la partie supérieure sont plus intenses que celles de la partie inférieure du papier. Vous pouvez également remarquer les magnifiques motifs d'écoulement que le médium contribue à créer. Cependant, il y a un revers à la médaille. L'utilisation excessive de gomme arabique laisse un fini brillant et légèrement collant.

Pourquoi ? La gomme arabique est techniquement une sève, et le médium fabriqué avec cette gomme peut être considéré comme un vernis à base d'eau, qui modifie les propriétés optiques de la couche picturale.

Le médium pour aquarelle permet de couvrir les surfaces huileuses 

Les aquarelles sont à base d'eau et la graisse ou l'huile sur la surface du papier repousse les aquarelles. Vous souvenez-vous des expériences menées à l'école maternelle pour peindre à l'aquarelle sur des lignes tracées avec des crayons de cire ou d'huile ? 

Malheureusement, lorsque nous touchons du papier avec nos mains, une partie de la graisse du bout des doigts peut rester sur le papier et affecter le résultat de la peinture de manière inattendue.

La gomme arabique facilite le travail. Nous avons fait une expérience. Tout d'abord, nous avons tracé des lignes et les avons barbouillées avec du pastel gras. Même les pastels tendres peuvent contenir des huiles ou des cires. Ensuite, nous avons utilisé du médium pour aquarelle et étalé de la poudre de pastel à l'aide d'un pinceau. Le côté gauche n'a pas appliqué de médium, et vous pouvez voir que l'étalement n'est pas si lisse, et que quelques taches d'huile apparaissent.

Le côté droit semble plus doux et ne présente pas de taches d'huile visibles.

Pourquoi ? La gomme arabique agit ici comme le film le plus fin, recouvrant l'huile et tout le reste, ne retenant que les plus petites particules dans la couche.

 

Faites vos propres expériences et ouvrez de nouvelles perspectives avec la gomme arabique ! Mais utilisez-le à bon escient. Comme vous le voyez, il peut avoir quelques "effets secondaires".

(c) RUSART

La granulation dans l'aquarelle
En : Peintures

La granulation dans l'aquarelle

Aquarelle est un médium très unique, et le résultat que nous obtenons dépend de nombreux facteurs :

  • papier
  • quantité d'eau utilisée
  • qualité de la peinture
  • brosses et
  • les supports.

Aujourd'hui, nous allons nous intéresser de plus près à la granulation. 

Qu'est-ce que la granulation ?

D'une manière générale, on observe granulation dans les aquarelles, lorsque les particules de pigment ne couvrent pas uniformément le papier pendant ou après la peinture. La granulation implique sédimentation et parfois floculation.

Ces deux processus sont très proches l'un de l'autre, mais pas identiques. Alors que le sédimentation se produit lorsque les particules de pigments se séparent les unes des autres et remplissent naturellement les imperfections du papier ou se déposent sur une surface, le floculation se produit lorsque les particules de pigment forment des textures et des motifs aléatoires. Les pigments minéraux lourds combinés à une charge pigmentaire élevée permettent d'obtenir à la fois une sédimentation et une floculation.

Pourquoi la granulation se produit-elle ?

La chimie et la physique expliquent tout. Comme les aquarelles (comme tout autre type de peinture) contiennent un liant et un pigment, il existe une relation entre leurs masses, leurs tailles de particules et leurs densités. Lorsque le pigment est plus léger et plus fin que le liant, on obtient des lavis lisses, et lorsque les particules de pigment sont plus grosses et plus rugueuses, on obtient une granulation. Ce phénomène est dû au fait que le liant ne parvient pas à maintenir les particules ensemble et que l'eau utilisée pour peindre brise l'adhérence entre elles.

Quels sont les pigments granulés ?

Les roches, les métaux et les autres minéraux sont généralement lourds, les pigments minéraux naturels ont tendance à présenter une granulation plus importante, tels que

  • cobalts bleu et vert - PB28, PG19, etc.
  • cadmiums rouge et orange - PO20, PR108, etc.
  • vert terre PG23
  • quelques outremers PB29
  • Siennas et numéros PBr8, PBr12, PY43 etc.
  • Oxyde noir de fer PBk11
  • Van Dyke NBr8

PBk11 présente une granulation très forte, ce qui explique l'utilisation de ce pigment dans de nombreux mélanges pour obtenir des propriétés de granulation. Par exemple, dans des mélanges tels que le gris de Payne, le vert forêt, le bleu profond ou le brun profond.

En outre, Les peintures à base de pierres semi-précieuses sont très granuleusescomme la malachite, le lapis-lazuli, la sodalite, la serpentine, etc.

Pour les lavages les plus doux, les pigments synthétiques organiques fabriqués par l'homme constituent le meilleur choix.. Leurs particules sont si fines que de nombreux cycles de broyage sont nécessaires pour obtenir une bonne liaison entre les particules et un liant. Voici quelques exemples de pigments lisses (non granulants) :

  • bleu phtalique et verts PB15, PG7
  • Rouge pyrrole PR254
  • Hanza jaune et orange PY65, PY3, PO5
  • Quinacridones, y compris rouges et magenta PR122
  • Perylène rouge PR149
  • Cramoisi d'alizarine NR8

Comme vous pouvez le constater, les couleurs jaune vif et rouge sont normalement lisses, tandis que les bleus et les noirs sont naturellement plus granuleux. 

Comment augmenter la granulation des aquarelles

Il existe de nombreuses façons de donner plus de texture à vos aquarelles :

  • Utiliser plus d'eau. Comme l'eau dilue le liant, l'utilisation d'une plus grande quantité d'eau provoque la sédimentation.
  • Ajouter des pigments de granulation. L'ajout d'un colorant contenant du PBk11 pendant le mélange augmente la granulation.
  • Utiliser du papier texturé pour la sédimentation et du papier lisse pour une meilleure floculation.. Comme les particules lourdes ont tendance à remplir les espaces et les trous, le pigment se dépose dans les "bosses" du papier. Pour montrer les flux de particules, nous devons utiliser du papier lisse pour diriger la peinture.
  • Ajouter le milieu de granulation

Expérimentez avec vos peintures pour obtenir l'aspect désiré. La plupart des RUSART Naturals peintures à l'eau sont granulés car nous préférons les pigments minéraux non toxiques pour nos peintures lorsque cela est possible. Si les pigments minéraux sont toxiques ou ne proviennent pas de sources éthiques, nous utilisons des pigments synthétiques fabriqués par l'homme. 

Caractéristiques des peintures aquarelles
En : Actualités

Caractéristiques des peintures aquarelles

Aquarelle est l'un des supports de peinture les plus anciens, mais toujours innovant et doté de nombreuses caractéristiques. Ces peintures à base de colle ont encore beaucoup à offrir, alors que les techniques et les résultats varient de lavis légers et translucides à des lignes très intenses et profondes. En tant que aquarelles Pour obtenir des résultats plus prévisibles, les peintures à l'aquarelle ont de nombreux paramètres qui peuvent ou non figurer sur un tube ou un récipient. Et avec l'apparition de nouveaux pigments sur le marché, à la disposition des fabricants, de nouveaux paramètres apparaissent.

  1. Transparence
  2. Solidité à la lumière
  3. Granulation
  4. Coloration
  5. Stabilité

Nous parlerons de chaque paramètre séparément dans d'autres articles ; ici, nous nous contenterons d'en donner la signification générale.

Transparence

Le même pigment dépend de la granulométrie, du lieu et de la méthode d'extraction, ainsi que des additifs et des charges utilisés. La transparence indique dans quelle mesure la couleur est capable de couvrir la couche de peinture précédente. Plus la couleur est transparente, moins elle est intense.

Solidité à la lumière

Ce terme est aujourd'hui progressivement remplacé par celui de résistance aux intempéries, car la lumière n'est pas la seule à provoquer la décoloration et d'autres changements dans les couleurs. La plupart du temps, nous recherchons des couleurs très résistantes à la lumière, car ni les artistes ni les collectionneurs n'aiment voir leurs peintures décolorées.

Granulation

Si les deux premières caractéristiques se rapportent à tous les médiums de la peinture, la granulation, la coloration et la stabilité appartiennent presque exclusivement à l'aquarelle. La granulation est un processus d'apparence où de petites particules de pigment présentent des grains visibles. Certaines personnes aiment la granulation tandis que d'autres l'évitent. La granulation n'est ni bonne ni mauvaise, c'est simplement une propriété de la peinture. Les granulations sont étonnantes dans les lavis, mais ne sont pas toujours prévisibles dans les mélanges de couleurs.

Coloration

Pigments minéraux naturelsLes pigments, tels que les ocres, les siennois, les umbers, les cobalts, etc., appartiennent à la véritable "catégorie" des pigments, lorsque le pigment et le liant forment des mélanges qui peuvent être complètement lavés et éliminés avec de l'eau. Cependant, la plupart des pigments modernes, en particulier les pigments organiques, fonctionnent essentiellement comme des colorants. Ils ne forment pas un mélange homogène avec le liant. Au lieu de cela, ils colorent quelque chose (un autre pigment, du papier, du plâtre, etc.). Ces pigments peuvent tacher, surtout si le papier est très absorbant, comme le coton pur. Lorsque vous faites un trait, il n'est pas toujours possible de le laver entièrement, car le papier se colore.

Stabilité

Il s'agit principalement de la propriété de conserver la couleur dans les mélanges et de présenter une couleur uniforme lorsqu'elle est peinte. Par exemple, certains pigments mélangés ensemble ne donnent pas une couleur uniforme. La couleur obtenue peut alors ne pas être stable, mais cela ne signifie pas qu'elle s'estompera avec le temps, car elle peut être très résistante à la lumière. Par ailleurs, certains pigments minéraux fabriqués à partir de pierres naturelles (labradorite, malachite, lapis-lazuli, serpentine, etc.), même s'ils ne sont pas mélangés à d'autres couleurs, peuvent présenter des nuances inattendues en fonction de la quantité d'eau et du médium utilisés.

Comment nettoyer les pinceaux des peintures à l'huile
En : Pratique

Comment nettoyer les pinceaux de la peinture à l'huile ?

Nous avons rassemblé ici de nombreuses façons de nettoyer les pinceaux après la peinture à l'huile et de prolonger leur durée de vie.

Ce que les artistes n'aiment pas vraiment dans la peinture à l'huile, c'est qu'elle est salissante. Le nettoyage des pinceaux et l'entretien de l'espace de travail demandent beaucoup plus d'efforts que lorsque vous travaillez avec des aquarelles ou des acryliques.

Rinçage à l'essence de térébenthine ou au white spirit, ou à un mélange des deux

La térébenthine et le white spirit sont  Les deux substances sont très différentes lorsqu'il s'agit de peinture. Cependant, lorsqu'il s'agit du nettoyage des pinceaux, nous pouvons les considérer comme les mêmes substances. Techniquement, elles ne font que décomposer l'huile et c'est ainsi que votre pinceau devient propre et net. La térébenthine et le white spirit étant tous deux toxiques, ne versez jamais de liquide dans la cuvette des toilettes ou dans l'évier. Recyclez correctement, dans la mesure du possible. S'il n'est pas possible de se débarrasser du liquide ou de le recycler, versez-le dans un bocal, remplissez-le d'essuie-tout ou de tissu de manière à absorber la plus grande partie du contenu, fermez le bocal hermétiquement et jetez-le.

Les avantages :

  • facile à obtenir et à utiliser
  • bon marché
  • peut être utilisé pendant le processus de peinture, ainsi que pour le nettoyage final du pinceau après utilisation

Les inconvénients :

  • très toxique
  • peut être malodorant
  • nécessite une élimination spéciale
  • peut endommager les cheveux délicats (kolinsky ou autres cheveux doux)

Rinçage à l'huile végétale

Si vous êtes paresseux et que vous peignez souvent, vous pouvez utiliser de l'huile végétale ordinaire pour nettoyer vos pinceaux. Remplissez un bocal en verre avec 5 cm d'huile et rincez-y simplement vos pinceaux. Enlevez les résidus de peinture à l'aide d'une serviette en papier. Pour éviter que les pinceaux ne durcissent, gardez-les immergés dans l'huile jusqu'à la prochaine utilisation. L'huile peut être réutilisée car la peinture se déposera simplement au fond du pot. Veillez à ce que vos pinceaux soient suspendus et ne touchent pas le fond du pot avec l'huile pour éviter de les endommager.

Les avantages :

  • facile à obtenir et à utiliser
  • bon marché
  • peut être utilisé pendant le processus de peinture, ainsi que pour le nettoyage final du pinceau après utilisation
  • non toxique

Les inconvénients :

  • ne nettoie pas complètement votre pinceau, vous devez donc le garder imbibé d'huile en permanence

Rinçage à l'huile végétale et congélation

Si vous prévoyez de faire une longue pause entre deux peintures à l'huile, ou si vous ne voulez pas garder vos pinceaux imbibés d'huile en permanence, vous pouvez, après avoir rincé vos pinceaux à l'huile, les envelopper dans un sac en plastique et les placer au congélateur. 

Les avantages :

  • facile à obtenir et à utiliser
  • bon marché
  • peut être utilisé pendant le processus de peinture, ainsi que pour le nettoyage final du pinceau après utilisation
  • non toxique

Les inconvénients :

  • ne nettoie pas entièrement votre brosse, vous devez donc garder un œil sur vos brosses

Nettoyage au savon à vaisselle

Le savon à vaisselle étant un bon dégraissant, vous pouvez simplement laver vos brosses avec. Après un nettoyage complet, laissez vos pinceaux sécher complètement à l'horizontale avant la prochaine utilisation.

Les avantages :

  • facile à obtenir et à utiliser
  • bon marché
  • non toxique

Les inconvénients :

  • ne peut être utilisé qu'après la séance de peinture
  • nécessite un long temps de séchage avant l'utilisation suivante
  • ne fonctionne pas pour les pinceaux délicats (kolinsky etc.)

Nettoyage à sec avec des serviettes en papier

Certains artistes utilisent simplement des serviettes en papier et essuient les pinceaux jusqu'à ce qu'ils soient complètement secs et que la peinture soit enlevée.

Les avantages :

  • non toxique
  • peut être utilisé pendant le processus de peinture, ainsi que pour le nettoyage final du pinceau après utilisation

Les inconvénients :

  • nécessite beaucoup d'essuie-tout, cette méthode n'est donc pas respectueuse de l'environnement
  • ne convient pas aux brosses délicates

 Différents  nettoyants pour brosses fabriqués

Veuillez vous référer à leurs instructions pour connaître les avantages et les inconvénients.

RUSART Naturals Nettoyant pour brosse à huile

Si vous tenez vraiment à vos pinceaux, essayez RUSART Naturals, ce nettoyant facile à utiliser pour les pinceaux de peinture à l'huile. Ce produit entièrement naturel nettoie vos pinceaux à l'huile en quelques secondes et les garde doux et souples, comme s'ils étaient neufs. C'est à la fois un nettoyant et un revitalisant.

Comment utiliser le nettoyant pour pinceaux à base d'huile Rusart Naturals ?

  • Essuyez les résidus de peinture sur votre pinceau à l'aide d'une serviette en papier ou d'un chiffon.
  • Bien agiter le pot avant chaque utilisation
  • Lavez votre brosse dans cette solution pendant 5 à 10 secondes ou jusqu'à ce qu'elle soit propre.
  • Enlever les restes de produit à l'aide d'une serviette en papier ou d'un chiffon.

La solution peut être raisonnablement réutilisée même si elle semble sale. N'oubliez pas d'agiter le pot avant chaque utilisation.

Les avantages :

  • non toxique
  • nettoie en quelques secondes
  • fonctionne même pour les brosses délicates
  • les brosses peuvent être conservées longtemps après utilisation

Les inconvénients :

  • prix
  • est destiné à être utilisé après le travail, et non comme nettoyant pendant la peinture.

(c) RUSART

En : Fabrication

Comment choisir la bonne toile pour vos objectifs - Partie II (Soutien)

Le support de la toile est un autre "ingrédient" important d'une peinture réussie. Le support de la toile est un autre "ingrédient" important d'une peinture réussie. toile peut être tendue sur des barres de bois ou collée sur un carton ou du bois, ou encore être utilisée comme toile de papier. Jetons un coup d'œil à ces options et voyons comment elles fonctionnent.

Toile tendue

La toile tendue présente de nombreux avantages par rapport à d'autres types de support :

  • L'encadrement n'est pas nécessaire pour ces peintures
  • Les peintures ont l'air plus présentables et plus chères
  • La restauration devient plus facile

En général, je préfère la toile tendue aux autres options. Cependant, tous les châssis ne se valent pas. Il y a des choses que l'on peut choisir et d'autres que l'on ne peut pas tester lors de l'achat.

En tant qu'artistes, nous pouvons choisir la profondeur de la toile : galerie ou ordinaire. Je suggère d'utiliser des châssis de galerie pour les toiles de plus de 24 pouces, car les toiles plus étroites peuvent montrer des signes de déformation avec le temps. Les grandes toiles (plus de 60 pouces) devraient avoir des supports supplémentaires, qui maintiennent les coins droits.

De plus, un bon support étire littéralement toute la toile, ce qui signifie que les barres d'étirement ne sont pas complètement plates et présentent une sorte de rebord (voir photo). 

Tous ces éléments peuvent être choisis et vérifiés avant l'achat.

Cependant, il y a une chose que nous ne pouvons pas vérifier avant de faire un achat : la qualité du bois lui-même. Les barres d'étirement de qualité doivent être fabriquées en bois dur, comme le chêne, le sapin, le bouleau, le hêtre ou des essences de pin plus dures. La plupart des barres d'étirement fabriquées au Canada sont en pin. En outre, un bon étireur doit être entièrement séché au four et avoir un taux d'humidité relative compris entre 8% et 15%.

Les toiles moins chères sont faites d'un bois plus tendre et ne sont généralement pas entièrement séchées. Avec les changements d'environnement (températures et humidité à l'intérieur), ces barres changent de forme, se déforment et peuvent présenter des fissures. C'est le principal problème du bois bon marché. 

Il y a quelque temps, j'ai reçu des peintures très coûteuses de l'avant-garde russe qui n'avaient pas été traitées avec respect par leur propriétaire précédent et qui avaient été tendues sur des planches de bois provenant d'un magasin de construction. En conséquence, les cadres se sont déformés et ont même endommagé la couche picturale. Je dois donc maintenant les restaurer.

Les cavas tendus sont en général une option plus coûteuse que tout autre type de support pour la toile. C'est surtout après 2021 que les prix du bois d'œuvre ont grimpé en flèche. C'est pourquoi les artistes cherchent d'autres solutions.

Toile sur carton

La toile sur carton est une autre option pour les artistes. Cependant, elle ne peut contenir que de petits formats (jusqu'à 16 pouces), faute de quoi la peinture entraînera une déformation du carton. La toile sur carton nécessite également un encadrement qui ajoute des coûts supplémentaires et peut éliminer les économies réalisées par rapport à l'achat d'une toile tendue.

Si, pour la peinture acrylique, la toile sur carton peut être une bonne alternative à la toile plus coûteuse, pour la peinture à l'huile, cette option a peu de chances de fonctionner. Le problème réside dans la polymérisation de l'huile dans le liant.

Le carton est un matériau très absorbant qui draine littéralement l'huile de votre peinture, ce qui entraîne une altération des couleurs, un temps de séchage imprévisible et irrégulier ainsi qu'un vieillissement plus rapide.

Papier toilé

Le papier entoilé est une option pour tester les couleurs ou pour faire des croquis sur le vif, mais, malheureusement, pour les œuvres de plus grande valeur, ce n'est pas du tout une option. En général, le papier entoilé est plus fragile que la toile normale, il contient de l'émulsion acrylique.  un apprêt riche en craie pour créer un aspect plus épais. Tous ces éléments font qu'il est impossible d'étirer davantage sans endommager une couche de peinture.

En outre, pour la peinture à l'huile, nous avons tous les problèmes de séchage inégal, de vieillissement plus rapide et de décoloration, car la craie est très poreuse et absorbe l'huile.

Comment choisir la bonne toile
En : Pratique

Comment choisir la toile adaptée à vos objectifs - Partie I (Toile)

Lorsque vous peignez sur toile, la toile elle-même est la première chose dont il faut s'occuper. Il n'existe pas de toile idéale pour tous les objectifs, car toutes ont des propriétés et des prix différents, mais vous pouvez toujours choisir quelque chose qui corresponde à vos objectifs et à votre budget. 

Tout d'abord, la toile elle-même en tant que tissu. Différentes options s'offrent à nous : lin, coton, polyester et différents mélanges.

Le choix n'est pas évident, comme toujours, mais en règle générale, plus le tissu est épais, plus il peut supporter de poids, ce qui signifie que vous pouvez appliquer plus de peinture et de médium sans risquer de le déformer.

Toile polyester - quand l'utiliser ?

Le polyester ou les mélanges coton-polyester sont les options les moins chères. que l'on trouve même dans les magasins à un dollar. Ils sont très fins et présentent généralement des écarts plus importants entre les fils, ce qui entraîne une perte de qualité. Le polyester est techniquement du plastique et ne peut rien absorber, ce qui signifie que l'encollage et l'apprêt risquent de ne pas adhérer correctement au tissu. En outre, ces toiles sont généralement très fragiles et se déchirent facilement. Ce type de toile est donc un bon choix pour les peintures d'enfants, pour jouer avec la peinture ou pour faire des exercices et pratiquer des techniques rapides. Ce type de toile ne convient pas aux peintures que l'on souhaite conserver plus longtemps.

Toile de coton ou de lin ?

Les toiles en coton et en lin sont généralement un bon choix pour les peintures professionnelles.La toile doit être épaisse et correctement traitée avant et après l'étirement. Nous aborderons ce sujet dans des rubriques distinctes. D'une manière générale, nous recherchons des toiles épaisses, de préférence à double fil. C'est ce que vous pouvez vérifier au dos de la toile (voir la photo).

Le canevas à double fil est un type de tissage où un ou deux fils sont doublés. Pour la peinture, la meilleure solution consiste à utiliser un fil longitudinal épais et simple et un fil de trame fin et double. Ce type de tissage fournit le support le plus solide, est épais et présente les plus petits espaces entre les fils. 

Normalement, la toile de lin est plus épaisse que la toile de coton, et c'est pourquoi elle est plus chère. Tous les artistes ne peuvent pas se permettre de peindre sur du lin. Mais ce n'est pas toujours nécessaire.

Si vous peignez avec des techniques de superposition et ne pas utiliser de peintures lourdes, un la toile de coton de bonne qualité est un très bon choix. Toutefois, pour les La peinture par empâtement sur toile de lin est une meilleure solution. car il est plus solide et plus durable.

Comment choisir la bonne toileToile à grain fin ou à grain grossier ?

Il n'existe pas non plus de recette universelle. Le choix de la texture dépend de vos techniques. Si vous travaillez dans les techniques de superposition et de glaçagePlus la surface est lisse, mieux c'est. C'est particulièrement important pour les portraits. Donc.., grain fin et même un apprêt supplémentaire serait la bonne option dans ce cas.  

Pour les techniques d'empâtement ainsi que le travail des différentes pâtes et textures, ainsi que la peinture au couteau. surface plus grossière s'adaptera mieux. La finition lisse est incapable de retenir une grande quantité de peinture.

Bien que de nombreux médiums puissent aujourd'hui être appliqués sur la toile, nous examinerons de plus près l'application de la peinture acrylique et de la peinture à l'huile, qui sont les médiums les plus traditionnels à l'heure actuelle.

Choisir une toile pour peindre à l'acrylique

La peinture acrylique est assez universelle et facile à vivre. la plupart des toiles conviennent parfaitement à l'acrylique. Choisissez le matériau, la finition, la taille et l'apprêt qui correspondent à vos objectifs pour cette peinture en particulier et profitez de votre processus créatif. L'acrylique forme une couche non séparable avec l'apprêt sur la toile, ce qui rend le processus de peinture transparent..

Choisir une toile pour la peinture à l'huile

Le pétrole est le médium le plus complexe et nécessite davantage de compétences, de connaissances et d'expérience. La façon dont la toile a été traitée et apprêtée joue ici un rôle important. Nous consacrerons un article distinct à ce sujet, mais pour l'instant, supposons que la toile est bien dimensionnée et apprêtée.

Deux types d'apprêts peuvent être utilisés : acrylique ou à l'huile. L'apprêt acrylique est universel et peut être utilisé à la fois pour l'acrylique et l'huile. Cependant, pour créer une meilleure liaison avec la toile et pour prolonger la durée de vie de la peinture à l'huile finie (augmentation du temps de polymérisation), nous suggérons dans ce cas de commencer la première couche par une sous-peinture qui créera un écran entre la toile et votre peinture actuelle.

L'apprêt acrylique contient normalement beaucoup de craie à l'intérieur, qui est très poreuse et "draine" l'huile de la couche de peinture. Pour éviter cela, nous devons créer une couche qui relie l'acrylique et l'huile. Il doit s'agir d'une couche de peinture contenant des gommes, qui "scelle" les pores et crée l'adhérence parfaite pour les peintures à l'huile.

Cependant, d'après mon expérience, le meilleur apprêt pour les peintures à l'huile est l'apprêt à l'huile. Comme l'apprêt à l'huile ne fonctionne pas pour l'acrylique et que la préparation de la toile prend beaucoup plus de temps, les fabricants sont de moins en moins nombreux à proposer cette option. Les toiles apprêtées à l'huile font l'objet de nombreux abus, ce qui oblige les fabricants à cesser de les produire.

La toile apprêtée à l'huile doit être traitée comme une peinture à l'huile qui reste seule pendant longtemps. Cela signifie que si vous optez pour une toile apprêtée à l'huile, traitez-la avec support de retouche d'abord pour une bonne adhésion.

Il s'agit là d'informations de base concernant le choix d'une toile pour votre peinture. Dans la deuxième partie, nous nous intéresserons à d'autres aspects de la toile, tels que son support. Vous obtiendrez des réponses aux questions suivantes : Quelle est la différence d'utilisation entre une toile tendue et une toile sur carton ? À quoi ressemblent les bons châssis ?

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Pourquoi les peintures à l'huile se séparent-elles ?
En : Peintures

Pourquoi les peintures à l'huile sont-elles séparées ?

La plupart des peintures à l'huile séparer et il y a de nombreuses raisons à cela, bonnes ou mauvaises. Il y a quelques mythes qui l'entourent, que je (Elena Nahum Leroy). Je travaille avec des peintures à l'huile en tant qu'artiste, testeur, vendeur et fabricant, j'ai donc une bonne chance d'acquérir une expérience complète des peintures à l'huile sous différents angles.

Mythes sur la séparation de la peinture à l'huile

Mythe : Les peintures à l'huile se séparent parce qu'elles sont anciennes

La vérité : La séparation de certaines peintures à l'huile peut commencer quelques jours seulement après leur fabrication. 

 

Mythe : Les peintures à l'huile se séparent parce que le pigment est lourd et qu'il coule au fond des tubes.

La vérité : C'est en partie vrai. Certains pigments minéraux tels que le dioxyde de titane, les cobalts, etc. sont très lourds et il est difficile de les faire "flotter" dans l'huile sans qu'ils ne "coulent". Toutefois, dans les technologies de peinture modernes, de nombreux pigments sont fabriqués et sont en fait beaucoup plus légers que l'huile, et la séparation se produit toujours à ce niveau. 

Et maintenant, les vraies raisons...

 

Séparation de la peinture à l'huile de l'intérieur

L'huile est un médium assez complexe. Je dirais que c'est le médium artistique le plus sophistiqué que j'aie jamais utilisé et essayé. Contrairement à la plupart des autres médiums, la peinture à l'huile nécessite des connaissances en chimie et en techniques de peinture pour réussir. L'histoire connaît de nombreux exemples de peintures à l'huile réalisées même par de grands artistes célèbres qui ont été gâchées avec le temps en raison d'une mauvaise application. Nous en parlerons également dans autres articles. Revenons à nos moutons.

D'une manière générale, Les peintures à l'huile contiennent un liant (huile), des pigments (naturels ou synthétiques), très probablement des charges et éventuellement des gommes, des solvants, de la cire d'abeille ou d'autres additifs.. Et la séparation peut être causée par une réaction entre l'un ou l'autre de ces composants. Ainsi, même à ce stade, il est clair que tout est beaucoup plus compliqué qu'il n'y paraissait auparavant. Nous allons nous pencher sur les raisons les plus courantes (mais pas toutes) de la séparation des peintures à l'huile.

Mauvaise proportion de pigments et de liants

Si vous mélangez du pigment à de l'huile, cela ne suffira pas à créer de bonnes peintures à l'huile, car le pigment n'est pas encore lié à l'huile. Il faut appliquer une pression et lier physiquement le pigment et l'huile à l'aide d'un rouleau (méthode manuelle) ou d'une machine à rouleaux (méthode industrielle). Certains pigments ont besoin de 5 ou même 8 cycles pour se lier correctement à l'huile. C'est là que se trouve la première raison de la séparation.

Le taux d'absorption de l'huile varie d'un pigment à l'autre. Par exemple, le blanc de titane absorbe jusqu'à 30 g d'huile pour 100 g de pigment, tandis que le rouge pyrrole absorbe jusqu'à 70 g pour 100 g de pigment. Il s'agit de leur taux d'absorption normal. 

Cependant, même le même pigment peut avoir une granulométrie différente pour une raison précise (voir nos rubriques spéciales). Les pigments plus fins nécessitent plus d'huile pour remplir les espaces entre les particules plus fines afin de créer une liaison correcte et de donner aux peintures un aspect et une sensation de douceur et d'uniformité. Mais le taux d'absorption reste le même, c'est de la chimie. En fait, nous devons donc ajouter plus d'huile que nécessaire, puis éliminer ce surplus d'huile. Sinon, l'huile excédentaire se séparera de la peinture avec le temps.

Pourquoi les peintures à l'huile se séparent-elles ?Mauvais broyage

Une autre raison très courante de la séparation de l'huile est un mauvais broyage. Les différents pigments nécessitent un nombre différent de cycles de broyage et même si la proportion huile/pigment est bien observée, un temps de broyage insuffisant peut entraîner une séparation assez rapide.

Poids des pigments

Certains pigments sont beaucoup plus lourds que l'huile. Il s'agit notamment du dioxyde de titane, des cadmiums, des cobalts et de certains pigments minéraux extraits de pierres semi-précieuses, telles que le lapis-lazuli ou l'améthyste. Sans ajout de charges, les peintures se séparent naturellement, ce qui ne signifie pas qu'elles sont mauvaises. Toutefois, pour obtenir un meilleur résultat, ces pigments seront le plus souvent "dilués" avec des charges afin de créer une consistance plus lisse qui, lorsqu'elle est correctement réalisée, empêchera techniquement la séparation.

Pourquoi les peintures à l'huile se séparent-elles ?Produits de remplissage

Cependant, les charges sont à l'origine de la plus grande partie des séparations. L'huile rend naturellement les couleurs plus vives, d'où la tentation d'ajouter une pâte, de la colorer et de la vendre comme un tube de peinture à l'huile. Cette tentation est d'autant plus forte que la législation n'oblige pas à divulguer la liste complète des ingrédients. C'est ainsi que certaines peintures (destinées aux étudiants) ne contiennent que 3-5% de pigments, par exemple. 

Le sulfate de baryum est la charge la plus populaire pour les peintures à l'huile en raison de son faible coût et de ses propriétés physiques. Tout d'abord, il est très lourd, ce qui en fait le parfait adultérant pour les peintures à l'huile. En raison de son poids, le sulfate de baryum donne l'impression que les tubes sont plus lourds, ce qui simule une charge pigmentaire élevée. En outre, son taux d'absorption de l'huile n'est que de 11, ce qui signifie que pour 100 g de poudre, il ne faut que 11 g d'huile pour créer un bon mélange. Ainsi, ajouté aux pigments synthétiques, le sulfate de baryum absorbe l'huile supplémentaire et donne aux peintures à l'huile un aspect plus épais, imitant une concentration de pigments plus élevée. C'est une autre chose que les acheteurs aiment : les peintures épaisses.

Cependant, cette astuce a aussi son revers. Le sulfate de baryum est très lourd et se dépose en entraînant le pigment avec lui et en provoquant la séparation. 

Il peut donc y avoir de nombreuses raisons pour lesquelles les peintures à l'huile se séparent et la séparation n'est pas toujours le signe d'une peinture ancienne ou de mauvaise qualité. Testez les peintures, comparez-les et choisissez celles qui conviennent le mieux à vos objectifs. Le prix n'est pas toujours le principal indicateur.

Pigment blanc de titane PW6
En : Pigments

Guide des pigments : Blanc de titane (PW6)

Examinons de plus près les pigments que nous utilisons, leurs propriétés et la manière dont ils affectent vos peintures. 

Index des couleurs : PW6

Numéro de constitution des couleurs : CI 77891

Indice de coloration des aliments : E171

Blanc de titane comme pigment

Le blanc de titane est l'une des couleurs les plus utilisées en acrylique et à l'huile, car nous l'utilisons pour mélanger les couleurs, tel quel et comme extension de couleur pour certaines couleurs. Le pigment lui-même ressemble à une poudre blanche brillante qui, en raison de son poids élevé et d'autres caractéristiques, rappelle la feta extra-fine. 

D'un point de vue chimique, il s'agit simplement dioxyde de titane (TiO2). Mélangé à de l'huile ou à de l'acrylique, il donne une couleur blanche pure et opaque avec une légère nuance froide. Le dioxyde de titane possède des propriétés optiques remarquables, avec un indice de réfraction très élevé, proche de celui du diamant.

Le blanc est l'une des couleurs les plus essentielles de la peinture à l'huile et de l'acrylique, car les artistes l'utilisent souvent pour les mélanges. Une peinture moyenne contient plus de 60% de blanc, c'est pourquoi le choix de la bonne couleur blanche est très important.

Histoire du blanc de titane

Le blanc de titane est un type de pigment assez nouveau par rapport à de nombreuses autres couleurs historiques, comme les ocres ou les terres d'ombre. Il n'a remplacé la plupart des autres types de blanc qu'en 1916, lorsqu'il est entré dans la production de masse. 

Grâce à la "découverte" du blanc de titane, la peinture à l'huile est passée d'un médium "toxique" à un médium sûr. Avant le blanc de titane  On a découvert que les artistes utilisaient largement le blanc de plomb qui causait des problèmes de santé mentale et des maladies du corps, y compris le cancer. Le blanc de plomb se dépose dans les os et s'accumule avec le temps. Ce fait a toutefois aidé les historiens à retrouver les restes du Caravage.

Je vous rappelle juste une brève histoire de ce grand artiste, qui a influencé Velazquez, Rembrandt et d'autres artistes et maîtres célèbres. Entré à Rome à l'âge de 18-19 ans, il devient l'apprenti de quelques artistes, changeant rapidement d'école et apprenant de nouvelles choses. Parfois, au bout de 7 à 8 ans, il commence sa propre carrière. Grâce à sa chance et à son grand talent, le Caravage a travaillé pour certains des plus importants mécènes de l'époque, dont le marquis Vincenzo Giustiniani, le cardinal Scipione Borghese et le banquier Ottavio Costa. Ils lui commandent de nombreux tableaux et le promeuvent en tant qu'artiste.

Quel est le rapport entre tous ces éléments et le blanc de plomb ? Le Caravage, artiste de génie, avait un tempérament très instable. Certains chercheurs établissent un lien avec l'exposition au blanc de plomb. Ainsi, après de nombreux petits incidents violents dans lesquels Caravaggio était impliqué, il est arrivé qu'il tue un homme au cours d'une bagarre de rue. Il a été arrêté et, en guise de punition, a dû quitter Rome pour de bon. 

Caravaggio et le blanc de plombLe Caravage se déplace d'un endroit à l'autre de l'Italie, demandant le pardon et une chance de retourner à Rome. Il finit par obtenir ce droit en échange de toutes les peintures qu'il a réalisées. Un marché est un marché. Mais pour une raison quelconque (est-ce un accident de malchance ou une action planifiée - personne ne le sait), un bateau transportant toutes ses peintures est parti pour Rome avant que le Caravage ne monte à bord. Il est donc resté bloqué à Port'Ercole. À partir de ce moment, sa vie et sa mort sont restées un mystère. C'est là que le blanc de plomb a permis de retrouver le corps du Caravage. En 2010, les restes du corps ont été identifiés comme étant ceux du Caravage sur la base de l'heure, du lieu et de la concentration de plomb dans les os.

Revenons au blanc de titane. La découverte d'un blanc meilleur et plus sûr a été un véritable soulagement pour les peintres. Dans les huiles, le blanc de titane est assez tenace lorsqu'on essaie d'en faire de la peinture. Il forme des pinces très collantes et lourdes qu'il n'est pas facile de ramener à la consistance d'une pâte lisse. C'est pourquoi les fabricants mélangent souvent le blanc de titane avec du blanc de zinc ou des charges. Et c'est là que commence une autre histoire...

Additifs pour le blanc de titane

Il n'existe aucune obligation légale d'indiquer la liste complète des ingrédients sur une étiquette. C'est pourquoi le blanc de titane peut contenir de nombreux autres agents de remplissage qui peuvent même alourdir le tube. Ainsi, le blanc de titane peut inclure

  • PW3 Sulfate de plomb basique blanc
  • PW4 Oxyde de zinc blanc
  • PW7 Sulfure de zinc blanc
  • PW10 Carbonate de baryum
  • PW18 Poussière de marbre ou composition de craie de qualité inférieure
  • PW19 Kaolin
  • PW21 Sulfate de baryum

Fabrication et toxicité du blanc de titane

En ce qui concerne la toxicité, le blanc de titane tel qu'il est utilisé dans les peintures n'est pas toxique. Sa stabilité a entraîné une très large gamme d'utilisations au-delà des matériaux artistiques. Seuls 28% de dioxyde de titane sont utilisés pour les peintures, 10% pour le plastique et environ 6% pour le blanchiment du papier. Les 56% restantes appartiennent à d'autres industries, telles que l'alimentation, les écrans solaires, d'autres cosmétiques (dentifrices) et autres. Ingéré, le TiO2 a été identifié comme potentiellement cancérigène, ce qui n'empêche pas les fabricants de l'utiliser dans les aliments.

D'où vient le dioxyde de titane ? Il est extrait et traité à partir de minéraux naturels, soit scories d'ilménite, de rutile ou de titane. Le pigment de titane est extrait à l'aide d'acide sulfurique ou de chlore. Le rutile contient jusqu'à 95% de TiO2, tandis que l'ilménite n'en contient que 45-60%.

En ce qui concerne les principaux fabricants, ce marché appartient à la Chine. Environ 2,3 millions de tonnes métriques y sont produites chaque année. Cela explique également pourquoi les peintures chinoises sont beaucoup moins chères que celles fabriquées dans d'autres pays. La deuxième place revient à l'Afrique du Sud, avec une production d'environ 1 million de tonnes métriques. Le Canada occupe la quatrième place (680 000) et les États-Unis ne produisent que 100 000 tonnes métriques par an.

Propriétés du blanc de titane

Et enfin, l'utilisation pratique. Le blanc de titane est opaque, ce qui est très avantageux lorsque vous travaillez avec des teintes claires ou lorsque vous mélangez des couleurs qui doivent être très couvrantes. Certains fabricants ajoutent du blanc de titane aux couleurs jaunes pour augmenter leur pouvoir couvrant, ainsi qu'à de nombreux autres mélanges.

Le blanc de titane permet également d'obtenir de magnifiques gris et de nombreuses autres teintes. La résistance à la lumière est excellente.

Le temps de séchage de l'huile dépend de nombreux facteurs, mais d'une manière générale, le blanc de titane sèche modérément lentement. Le blanc de titane fonctionne bien avec la plupart des médiums à l'huile contenant des gommes, des produits pétroliers ou des térébenthines. Le film sec est épais et flexible, sans tendance au craquèlement.

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Comment lire les étiquettes de peinture
En : Peintures

Comment lire les étiquettes de peinture

Il est très important de savoir ce que l'on achète et certaines informations sur les peintures sont disponibles sur les étiquettes :

  • nom de la peinture
  • grade
  • pigment utilisé
  • classeur
  • solidité à la lumière
  • la transparence
  • note de sécurité

Nom de la peinture

Bien qu'il existe de nombreux noms communs pour les peintures que nous avons l'habitude de voir, il n'y a pas de norme sur la manière de nommer une couleur. Le spectre contient des millions de couleurs et toutes peuvent être nommées différemment. 

Certains fabricants utilisent les noms traditionnels et les plus courants, tels que rouge de cadmium moyen, bleu de cobalt, bleu outremer, etc. Ces noms correspondent aux pigments utilisés et il est facile de comprendre ce qui se trouve à l'intérieur du tube.

Certains noms peuvent être uniques en raison d'objectifs de marketing ou de la multiplicité des pigments utilisés. Par exemple, Australian Grey ou Australian Leaf Light par Spectre artistique ou Portland Grays par Gamblin ou Raw Umber Leningrad par Nevskaya Palitra. 

En outre, le même pigment traité différemment peut fournir une grande variété de teintes, de nuances et de niveaux de transparence. L'un des champions en la matière est l'oxyde de fer jaune PY42, qui porte une centaine de noms différents.

Qualité de la peinture

La catégorie de peinture est également une catégorie très discutable, car il n'existe pas de normes permettant de classer les peintures dans la catégorie "étudiant" ou "artiste". Pour RUSART, nous avons divisé les peintures en 4 catégories : enfants, étudiants, artistes et professionnels. La plupart des fabricants proposent deux catégories : pour étudiants et pour artistes.

La principale différence dans la classification des peintures est la charge pigmentaire, la qualité des pigments utilisés ainsi que les charges et les médiums ajoutés.

  1. Niveau scolaire des enfants. Nous avons un article spécial sur les fournitures artistiques pour les enfants.. D'une manière générale, le principal critère est la sécurité. Les pigments utilisés ici sont non toxiques et doivent être certifiés et étiquetés. Il s'agit généralement d'aquarelles qui contiennent beaucoup de dextrine (sucre) et d'amidon au lieu de composants plus onéreux.
  2. Note de l'étudiant. La sécurité n'est pas le critère principal. En général, ces peintures sont moins chères pour un usage quotidien et pratique. La charge en pigments se situe normalement entre 3 et 20%. Tout le reste est constitué de charges et de liants. Les cobalts et les cadmiums sont généralement des teintes, ce qui signifie qu'elles ne sont pas réelles. Bien que les artistes professionnels préfèrent utiliser des marques de meilleure qualité, les peintures pour étudiants sont toujours très utiles pour les sous-peints et les esquisses en raison de leur prix moins élevé.
  3. Qualité artiste et professionnelle. C'est la cible principale des artistes professionnels. Les liants et la charge pigmentaire varient, mais la plupart des peintures contiennent toujours des charges. Si des informations sur la charge pigmentaire étaient auparavant disponibles dans les fiches de données de sécurité, il est aujourd'hui difficile de trouver des chiffres réels. D'après notre expérience, la charge pigmentaire des peintures pour artistes se situe entre 15 et 70%. Nous parlerons de la charge pigmentaire dans un article spécial.

Pigment utilisé

L'une des informations les plus importantes pour le choix de la couleur. Le tube de peinture indique indice de couleur (IC) qui indique les caractéristiques chimiques du pigment utilisé. Le CI commence par N ou P. "N" signifie "naturel" et "P" signifie "pigment". Vient ensuite l'identification de la couleur : 

  • Y - Jaune
  • W - Blanc
  • B - Bleu
  • Br - Marron
  • Bl - Noir
  • R - Rouge
  • V - violet
  • G - vert
  • O - Orange

L'index n'indique pas exactement la couleur ou un cercle chromatique. Par exemple, PR101 est plutôt rouge-brun que rouge vif ou PY42 est ocre mais fait toujours référence à des couleurs jaunes.

Puis vient l'indice lui-même. Ce n'est qu'un chiffre. Vous pouvez consulter les noms des indices de pigments et leurs caractéristiques techniques ici >>.

Transparence

Il existe normalement trois catégories : transparent, semi-transparent et opaque. Les fabricants incluent généralement un symbole - un carré. Si le carré est vide, la peinture est transparente, s'il est à moitié rempli, elle est semi-transparente et si le carré est noir, la peinture appartient à la catégorie opaque.

Solidité à la lumière

Aujourd'hui, ce terme est remplacé par celui de résistance aux intempéries, c'est-à-dire la mesure dans laquelle la peinture change de couleur au fil du temps dans différentes conditions : exposition à la lumière, aux UV, à l'humidité, à la température, etc.

Note de sécurité

Travailler avec certains pigments peut comporter certains risques. Par exemple, les cadmiums et les cobalts sont connus pour contribuer au développement du cancer. Le vert émeraude (PG21) est extrêmement toxique et toxique. Il était autrefois utilisé comme raticide et pour préserver le bois. C'était une couleur à la mode qui a fait de nombreuses victimes dans la société victorienne. 

D'autres pigments, comme le blanc de zinc, peuvent être nocifs pour l'environnement et ne doivent pas être rejetés dans l'eau ou le sol. Les peintures destinées à la vente aux États-Unis doivent comporter des avertissements de sécurité pour ces pigments. Au Canada, les peintures peuvent ou non contenir de tels avertissements.

Et quelques autres éléments à garder à l'esprit :

  1. Tous les ingrédients utilisés dans les peintures ne figurent pas sur l'étiquette.
  2. Les termes "émulsion acrylique" ou "dispersion acrylique" combinent de nombreux ingrédients chimiques, notamment de l'ammoniaque et des solvants, et ces ingrédients ne sont pas répertoriés séparément.
  3. Les peintures à l'huile peuvent contenir des charges de plomb ou de sulfate de baryum qui ne figurent pas non plus sur les étiquettes.
  4. La date de fabrication est généralement absente des étiquettes de peinture

Comme vous pouvez le constater, les étiquettes peuvent donner beaucoup d'informations sur ce qu'elles contiennent. Cependant, certains éléments très importants peuvent encore être omis.

En : Actualités

Aquarelles - Qu'y a-t-il dedans ?

Peintures aquarelles ont une histoire beaucoup plus longue que celle de la huile et, bien entendu, acryliques. Il est paru dans Chine au IIe siècle après J.-C., lorsque le papier a été inventé, car sans papier, pas d'aquarelle.

Comme toute peinture, l'aquarelle est composée de pigments, liants et autres ingrédients. Examinons-les de plus près.

Pigments pour aquarelle

Bien que les pigments soient en quelque sorte universels pour de nombreux types de peintures, ils ne sont pas tous adaptés à l'aquarelle. 

Normalement, les pigments minéraux se lient bien avec les Gomme arabique (liant pour aquarelle)Mais la plupart des pigments synthétiques requièrent une attention particulière. Les pigments synthétiques, tels que le bleu et le vert de phtalos, les naphtols,  quinacridones, hanza, pyrrole, benzimidazolone et autres ont tendance à être plus fins que leurs cousins minéraux. Lorsqu'on leur ajoute de l'eau, ces pigments forment des grumeaux qu'il est très difficile de transformer en une pâte lisse. C'est pourquoi les fabricants doivent ajouter davantage de charges et d'agents d'extension pour créer une pâte homogène fiable. 

En outre, la plupart des pigments synthétiques ont besoin d'une base pour adhérer et il n'est pas facile de trouver des informations sur ce qui a été utilisé comme base pour une certaine peinture. C'est pourquoi les performances peuvent varier d'une marque à l'autre.

Pour plus d'informations sur les différents types de pigments et leur utilisation, voir notre rubrique Section Nouvelles et articles.

Reliure pour aquarelle

Gomme arabique est un liant traditionnel pour l'aquarelle. Il s'agit d'une gomme naturelle fabriquée à partir de la sève de certaines espèces d'acacias. Ces arbres sont récoltés au Soudan et dans tout le Sahel, du Sénégal à la Somalie.

La gomme arabique est un ingrédient très sûr et a une large utilisation dans les industries alimentaires. Par exemple, les boulangers l'ajoutent comme épaississant aux glaçages, aux fourrages ainsi qu'aux gommes molles et aux bonbons. Pour les Aquarelles RUSART NaturalsNous achetons de la gomme arabique de qualité alimentaire pour nous assurer qu'elle est pure.

Certains pensent que le miel est un autre type de liant utilisé pour l'aquarelle. Ce n'est pas le cas. Le miel est un agent qui ne sèche jamais. Les aquarelles à base de miel resteront donc collantes et ne formeront jamais un film lisse. 

Toutefois, certains fabricants ajoutent du miel aux aquarelles afin de préserver l'humidité et la souplesse des peintures. Voici donc les humectants.

Humectants et plastifiants pour aquarelles

Les peintures aquarelles à base de gomme arabique uniquement sèchent en peu de temps. Elles ressembleront à un morceau de craie difficile à utiliser. Pour que les peintures restent souples (même pour les aquarelles à la poêle), il faut ajouter des humectants, tels que le miel, la glycérine, la méthylcellulose ou le sirop de maïs. 

Ces agents empêchent le dessèchement excessif des peintures et augmentent le débit. 

Conservateurs

Comme vous pouvez le constater, les aquarelles contiennent beaucoup d'ingrédients naturels qui, au contact de l'eau, peuvent provoquer la formation de moisissures. C'est particulièrement important pour les aquarelles en tube, qui restent humides plus longtemps. 

Pour éviter la formation de moisissures, nous avons besoin de conservateurs. Normalement, les fabricants utilisent des formaldéhydes ou des phénols pour conserver la fraîcheur des peintures. Une autre méthode ancienne de lutte contre les moisissures consiste à utiliser des huiles essentielles. C'est plus cher, mais c'est une méthode plus sûre que nous utilisons dans nos aquarelles RUSART.

Les mastics dans l'aquarelle

Si vous pensez que c'est la partie la moins importante des peintures, vous vous trompez lourdement. Oui, pour les artistes, les charges sont quelque chose qu'ils préfèrent éviter (dans la mesure du possible) afin de conserver des couleurs claires et éclatantes. Cependant, les pigments sont chers, le marché est compétitif et seuls les spécialistes ou les artistes vraiment professionnels remarqueront une différence. Les charges sont donc techniquement l'ingrédient principal de la plupart des aquarelles destinées aux étudiants et aux artistes. Les aquarelles professionnelles contiennent normalement moins de charges.

De plus, certains pigments ne peuvent être utilisés sans charges car ils n'ont pas la bonne consistance et ont besoin d'une base pour obtenir une texture lisse. Cependant, pour la plupart des pigments minéraux, les charges ne sont pas nécessaires.

Les fabricants utilisent de nombreux produits chimiques comme agents de remplissage. Pour les aquarelles, les plus courants sont la dextrine (et d'autres sucres bon marché), la craie, les argiles, les sulfates de baryum. Normalement, ces ingrédients ne sont pas mentionnés sur les étiquettes.

L'essentiel de la peinture à l'huile comment choisir les fournitures pour la peinture à l'huile
En : Pratique

L'essentiel de la peinture à l'huile

Tous les peintres à l'huile ont leur propre liste d'outils essentiels à la peinture à l'huile pour leur travail quotidien. Il existe de nombreux outils, médiums, pinceaux et couleurs, et il est donc très facile de s'y perdre. Surtout pour les débutants. 

De plus, les peintures à l'huile sont assez chères et tout le monde ne peut pas se permettre d'acheter plus de matériel que nécessaire. Voyons ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer et ce qui peut attendre un meilleur moment. Vous trouverez ci-dessous quelques recommandations basées sur notre pratique et notre expérience. Elles peuvent être différentes de ce que d'autres artistes pensent et utilisent, car tous les artistes sont différents et ont leurs propres préférences.

Différentes techniques nécessitent différentes marques de peinture à l'huile

  1. Alla Prima. Technique qui consiste à travailler mouillé sur mouillé et à terminer une peinture en une seule fois. La plupart des impressionnistes et de nombreux artistes contemporains utilisent cette technique. Pour cette technique, vous devez disposer d'une bonne sélection de couleurs de base, en particulier les rouges et les jaunes. Les couleurs destinées aux étudiants ont une charge pigmentaire plus faible et peuvent contenir du blanc qui peut "fondre" et donner un aspect boueux. Votre choix doit se porter sur des peintures opaques qui offrent des couleurs pures. Vous aurez donc besoin de peintures à l'huile de marques professionnelles et d'artistes, telles que (dans notre boutique) Gamblin, Classe de maître, Vieille Hollande, Dartecor, Spectre artistique et d'autres marques.
  2. Technique à plat Il n'est pas nécessaire d'utiliser beaucoup de peinture et vous pouvez superposer plusieurs couches pour rehausser les couleurs. Vous devrez cependant mélanger les couleurs, mais pas en grandes quantités. Ainsi, pour la peinture de fond, les marques décontractées (Ladoga, Galerie Rosa etc.) fonctionneraient bien, et pour les couches supérieures - les couches professionnelles (MasterClass, Gamblin, Spectre artistique etc.) 
  3. Impasto. Ici, vous aurez besoin de peintures épaisses et vous voudrez probablement économiser 🙂 La marque la plus épaisse mais pas trop chère est Spectre artistique. L'autre marque à très haute viscosité est Vieille HollandeIl est possible d'utiliser un médium à base de cire pour créer une texture, mais il peut être trop coûteux pour une utilisation en masse. L'une des options consiste à utiliser un médium à base de cire qui crée une texture, mais la cire présente ses propres inconvénients qui seront abordés dans d'autres articles.
  4. Vitrage et multicouches. Dans ce cas, il faut un minimum de charges et un maximum de pigments, c'est pourquoi il ne faut utiliser que des marques professionnelles, telles que Vieille Hollande ou Dartecor.

Différentes techniques requièrent différents choix de couleurs d'huile

  1. Les techniques des vieux maîtres impliquent beaucoup de glacis et de travail avec des couleurs transparentes, mais toujours intenses. Ils utilisaient généralement des sous-peintures monochromes combinant du blanc et des couleurs terreuses, puis de nombreuses couches de glacis à l'aide de peintures transparentes. C'est ainsi que leurs peintures brillent et donnent l'impression d'une vitre entre deux réalités. Vous aurez donc besoin de blanc de titane, de terre de sienne brûlée et crue, de terre d'ombre brute, d'ocres, de jaunes transparents (jaune hanza, jaune indien, etc.), de rouges (cramoisi d'alizarine, rouge pyrrole, etc.), de bleus (outremer et peut-être quelques nuances de phtalos), de verts (vert nicosia, vert phtalos), et de couleurs terreuses de mars. 
  2. Paysages. Les couleurs opaques sont importantes à cet égard. Choisissez donc des cadmiums rouges, jaunes et orange, de l'oxyde de chrome pour le vert, des cobalts bleus et turquoise, du blanc de titane et une variété de couleurs terreuses. Il est également bon d'avoir un bon violet, comme le violet de cadmium, pour les accents et les ombres.
  3. Portrait. Votre choix sera à peu près le même que celui des techniques des vieux maîtres, plus quelques couleurs opaques, selon votre style.
  4. Natures mortes et fleurs. Les couleurs vives et opaques sont indispensables. Vous aurez besoin d'un plus grand nombre de jaunes (jaune de cadmium citron, moyen et profond, jaune indien, jaune hanza), de rouges (rouge de cadmium, cramoisi d'alizarine, quinacridones), de couleurs roses et magenta (rose de quinacridone, magenta, violet de cadmium), de bons bleus (outremer, phtalo, cobalts), de verts (oxyde de chrome, phtalo, cobalt) et de pourpres (violet d'outremer, pourpre de cadmium). Vous aurez également besoin de blanc de titane et d'une bonne sélection de couleurs terreuses (ocre jaune et doré, terre de sienne brûlée, terre d'ombre brûlée ou crue, etc.) 
  5. Résumé. Ici, tout dépend du style, mais il y a certainement beaucoup de blanc de titane et de couleurs opaques dont nous avons parlé plus haut.

Différentes techniques requièrent différents choix de pinceaux

  1. Impasto. Pour cette technique, vous aurez besoin d'un pinceau qui retienne beaucoup de peinture. Les pinceaux en poils de porc naturels, de préférence à poils courts pour une application plus contrôlable, sont ceux qui conviennent le mieux.
  2. Vitrage. Vous vous concentrerez sur les brosses douces. Tout dépend de la technique utilisée, mais il est fort probable que vous ayez quelques pinceaux en martre de Kolinsky dans votre collection. 
  3. Plat. Les brosses synthétiques sont les plus efficaces. Certains sont plus souples, d'autres plus rigides - choisissez ce qui convient à vos mains. Les poils de porc peuvent être trop rigides et les poils de kolinsky ou d'écureuil peuvent sembler trop doux. 

Ai-je besoin d'un couteau à palette ?

Vous pouvez ou non utiliser des couteaux à palette pour peindre, mais nous vous recommandons tout de même d'avoir un couteau à palette métallique de taille moyenne pour mélanger les couleurs et nettoyer votre palette ou gratter les peintures de votre tableau en cas d'échec.

Quel type de palette choisir ?

Pour la peinture à l'huile, vous aurez besoin d'une palette plate. Tout le reste est une question de goût : ovale, rectangulaire, en contreplaqué, en bois, en verre, en plastique, en papier ciré ou en feuille d'aluminium... De nombreux choix sont désormais disponibles.

Ai-je besoin médiums à l'huile?

Vous aurez certainement besoin d'huile de peinture (huile de lin ou autre en fonction des propriétés que vous souhaitez obtenir). Tous les autres médiums sont en supplément. Pour en savoir plus sur les différents médiums, consultez notre base de connaissances.

Comment choisir le soutien ?

Nous recommandons toujours de commencer par une toile apprêtée et tendue pour la peinture à l'huile. Cependant, d'autres options sont toujours possibles. Nous expliquerons dans nos articles la différence entre les différents types de toile et comment en choisir une bonne.

Qu'est-ce qu'un budget ?

Il est possible de fabriquer un tout petit kit d'essai pour la peinture à l'huile en dessous de $100, mais si vous voulez des tubes de taille normale et des pinceaux qui durent plus longtemps, votre budget pour le kit de base se situera entre $150 et 200. Il peut bien sûr être plus élevé si vous achetez des peintures de qualité supérieure et des toiles de plus grande taille. Pour certaines marques, un pinceau peut coûter $70+ ou un tube de peinture - $100+ (comme Lapis Lazuli). 

(c) RUSART

Elvira Kravenkova
En : Artistes

Artiste en vedette : Elvira Kravenkova

Elvira Kravenkova (FB : https://www.facebook.com/ekravenkova) a rejoint l'équipe de RUSART en 2017 en tant que professeur d'art et de cours spéciaux. Aujourd'hui, Elvira est toujours avec nous pour tester nos produits et nous aider à améliorer nos formules.

L'histoire d'Elvira

Elvira Kravenkova est une artiste canadienne d'origine russe, basée en Colombie-Britannique.

Le style de peinture d'Elvira est toujours influencé par les traditions du réalisme russe et de l'impressionnisme, les styles qu'elle aime.

Au début des années 1990, elle a commencé à exposer ses peintures en tant qu'artiste émergente à Moscou, en Russie.

En 1998, Elvira s'est installée au Canada où elle a poursuivi sa formation artistique auprès d'artistes et d'instructeurs exceptionnels. L'apprentissage auprès d'Anatoli Badriashvilli (Badri) dans son studio et de Mandy Boursicot (Classical Realism Atelier) a permis à Elvira de progresser dans les domaines du graphisme et de la peinture.

La carrière d'Elvira

Elvira enseigne dans son studio et a été invitée à enseigner les bases du dessin et de la peinture ainsi que l'anatomie humaine dans une école d'art privée de Vancouver.

Depuis 2013, elle est membre de la Fédération des artistes canadiens.

Depuis septembre 2013, elle est devenue membre de la Vancouver Life Drawing Society.

Elvira a recommencé à exposer ses œuvres depuis 2013. Depuis, elle a participé à de nombreuses expositions canadiennes et internationales, y compris des expositions avec jury, où elle a reçu plusieurs prix internationaux.

Ses œuvres font partie de collections privées en Australie, au Canada, aux États-Unis, en Italie et en Russie.

Vous pouvez trouver les œuvres d'Elvira à l'adresse suivante 33 Galerie contemporaine sur Artsy  , dans la galerie de la Fédération des artistes canadiens ainsi qu'au Musée d'art contemporain de Wausau (WMOCA), Wausau, WI.


En savoir plus sur la façon de devenir notre artiste vedette >>.

Fournitures artistiques non toxiques pour enfants : sécurité
En : Fabrication

Fournitures artistiques pour enfants : La sécurité avant tout

Lorsque nous achetons des fournitures artistiques pour les enfants, la première chose à laquelle nous pensons est la sécurité. C'est pourquoi nous recherchons la mention "non toxique" sur les fournitures d'art et d'artisanat destinées aux enfants et nous la trouvons facilement ! Voyons maintenant ce que ce label signifie réellement.

Que signifie "fournitures artistiques et artisanales non toxiques pour enfants" ?

Toutes les fournitures artistiques pour enfants vendues par des détaillants situés aux États-Unis et au Canada doivent faire l'objet d'une certification de toxicité testée par une tierce partie. Toutefois, le terme "toxique"est limité aux ingrédients qui provoquent des "effets chroniques néfastes sur la santé" et des "risques aigus et/ou chroniques pour la santé". 

L'une des organisations les plus courantes qui certifie les produits au niveau international est l'Art & Creative Materials Institute, Inc. (ACMI). Cette certification permet de classer les produits en deux catégories :

  1. L'AP (Approved Product) - des matériaux d'art sûrs et certifiés par un expert médical comme contenant aucune matière en quantité suffisante pour être toxique ou préjudiciable aux personnes ou de causer des problèmes de santé aigus ou chroniques.
  2. Le sceau CL (Cautionary Labeling) - qui sont certifiés comme étant correctement étiquetés pour tout risque connu pour la santé et avec des informations sur l'utilisation sûre et appropriée de ces matériaux. Le sceau CL n'est pas autorisé sur les produits pour enfants.

Étiquettes de sécurité pour les fournitures artistiques ACMI

Tout semble très bien et si vous regardez l'étiquette de l'AP, vous pouvez l'utiliser en toute sécurité pour les enfants, ou pour vous-même. Nous pensions la même chose avant de réaliser d'autres choses... Nous avons trouvé l'étiquette AP sur des peintures (en particulier des sets) contenant des cadmiums, des cobalts, de l'ammoniaque, du formol, de l'éthylène glycol et d'autres produits chimiques.. Si des peintures contenant certains de ces produits chimiques sont vendues en Californie, elles peuvent porter un étiquetage d'avertissement spécial. 

Où trouver plus d'informations ?

Normalement, toutes les fournitures artistiques devraient être accompagnées d'une fiche de données de sécurité du fabricant (FDS), où la composition et les produits chimiques doivent être divulgués. Cependant, la plupart des fabricants gardent secrète la liste des ingrédients et les fiches de données de sécurité ne contiennent que des informations générales, telles que "aucun danger connu".  

Par exemple, le plus grand fournisseur de matériel d'art pour enfants en Amérique du Nord, Crayola, n'indique pas du tout les ingrédients. Nous ne pouvons même pas dire quels types de pigments sont présents et ce qu'ils utilisent pour empêcher la formation de moisissures dans les peintures. Vous pouvez trouver les fiches de données de sécurité ici : https://www.crayola.ca/about-us/crayola-msds.aspx 

Les fabricants cachent les ingrédients pour de nombreuses raisons, qu'il s'agisse de cacher littéralement quelque chose ou de se protéger de la concurrence. RUSART estime que cette pratique est malhonnête et, comme les enfants peuvent utiliser les peintures et autres fournitures de nombreuses façons, y compris en les léchant et en les peignant sur leur peau, il est très important de connaître la liste complète des composants.

Pourquoi est-il important de connaître les ingrédients des peintures ?

Non toxique n'est pas toujours non toxique

Tout d'abord, Le terme "toxique" est beaucoup plus large que la détermination des normes.. Même l'ASTM D-4236, la pratique standard d'étiquetage des matériaux d'art pour les risques chroniques pour la santé, dit que "1.8 La présente norme ne prétend pas répondre à tous les problèmes de sécurité, s'il y en a, liés à son utilisation. Il incombe à l'utilisateur de la présente norme de mettre en place des pratiques appropriées en matière de sécurité et de santé et de déterminer l'applicabilité des limitations réglementaires avant l'utilisation." 

Cela signifie que, même si vous voyez une étiquette "conforme à la norme ASTM D-4236", c'est vous et vous-même qui êtes responsables de l'utilisation du produit. C'est votre responsabilité si quelque chose ne va pas.

Un usage abusif peut se produire

Deuxièmement, toutes les peintures d'art et d'artisanat sont censées être utilisées correctement. Ainsi, les peintures servent à peindre sur du papier (ou tout autre support répertorié), les crayons servent à dessiner sur du papier, etc. Mais que se passe-t-il si votre enfant ingère accidentellement des peintures ? Il s'agit là d'un "mauvais usage" très courant de la peinture.

De nombreuses peintures pour enfants contiennent de la dextrine et de l'amidon de maïs en tant que charge, de sorte que les peintures peuvent avoir un goût agréable à lécher pour les enfants. Les entreprises utilisent des oxydes de titane ou de zinc comme couleur blanche ou comme charge. L'oxyde de titane est un produit chimique assez sûr (pour en savoir plus, lisez notre article sur l'oxyde de titane). base de connaissances), mais l'oxyde de zinc ingéré peut avoir des effets indésirables.

Les cadmiums et les cobalts ne sont généralement pas utilisés dans les peintures pour enfants pour des raisons économiques. Ces pigments sont si chers que les fabricants ne les utiliseraient jamais pour les enfants.

Produits chimiques cachés

Un autre problème important est celui du formol, qui est un conservateur très couramment utilisé dans les peintures. Dans certains pays, comme l'UE et la Russie, il est légalement interdit de l'utiliser dans la fabrication des peintures. Mais il n'est pas interdit de vendre des peintures contenant du formol. C'est pourquoi, lorsque vous achetez des peintures non toxiques en Chine, personne ne peut garantir qu'elles ne contiennent pas de formol. Le même problème se pose avec les phtalates.

Allergies

Et ce qui est très important, c'est que même si les peintures sont absolument non toxiques, elles peuvent toujours provoquer des allergies. Connaître la liste des ingrédients est très utile. Les peintures pour enfants peuvent contenir du blé, du miel et d'autres allergènes. Ces ingrédients sont essentiels pour les peintures naturelles, mais doivent être évités pour les personnes souffrant de certaines allergies.

Conclusion

  • Le label "non toxique" ne garantit pas qu'un produit soit réellement "non toxique"
  • Vérifier avec la fiche de données de sécurité
  • Choisissez du matériel artistique dont la liste des ingrédients est divulguée.
  • Restez informé avec Bulletin d'information RUSART
John Aitken - comment tout a commencé
En : Artistes

Rencontrez notre supporter : John Aitken

John est devenu client de RUSART en 2018, lorsque la boutique RUSART était beaucoup plus petite et représentait principalement des fabricants russes. John était toujours prêt à essayer de nouveaux produits, tant du point de vue de l'artiste que du point de vue professionnel. 

En 2020, lors du premier lockdown COVID-19, lorsque toutes les entreprises non essentielles ont été fermées, ElenaJohn, propriétaire de RUSART, a commencé à travailler sur les médiums de peinture à l'huile, les peintures à l'aquarelle et les recettes de peinture à l'huile. John était (et est toujours) l'un des principaux testeurs des résultats des expériences. Ses commentaires professionnels, son soutien et ses conseils honnêtes et fiables ont beaucoup aidé Elena.

Elena est très reconnaissante à John pour son apport et sa contribution au développement de ses lignes de produits. 

Ce que signifie "être un artiste" pour John

Hormis l'artisanat, qui devrait tendre vers la "perfection", l'art, dans sa forme la plus élémentaire, consiste à "rendre spécial", sans pour autant être parfait. Pour John, l'art est la particularité qui découle d'une façon pervertie de voir les choses. 

"J'ai toujours vu les choses... d'une manière que d'autres ne voient pas. Mais il ne s'agit pas seulement d'une catharsis personnelle. Il s'agit d'une intersection entre mes esprits et un spectateur. C'est aussi une contrainte.  Le monde est inondé d'art. Mais je dois faire mon art  pour se sentir comme... pour couper à travers la merde."

La science des arts

Comme beaucoup d'autres artistes, John est venu à l'art par la science.  C'est pourquoi il se sentait, comme il le disait, "humilié par un créateur techniquement doué". Il a souvent eu l'impression qu'il fabriquait ses objets pour mieux comprendre les "vrais" artistes et ne pas prétendre en être un lui-même.

Et c'est difficile aujourd'hui, car l'art en tant qu'art et l'art en tant qu'entreprise sont différents. Comme le montre l'histoire, l'art de qualité peut ne pas être récompensé pendant des années ou des décennies. Il se peut même qu'il n'y en ait jamais. Il y a eu et il y a encore tant d'artistes vraiment talentueux dont nous n'avons jamais entendu le nom, mais ils le méritent.  

John a rejoint un centre géré par des artistes. "Dans un moment difficile de la vie, il a trouvé un foyer. - il a dit. - Venez rester avec moi, vous êtes l'un d'entre nous", vissez les galeries, les critiques. Quand quelqu'un dit ça, ça résonne toujours."

John en tant qu'artiste

John a fait de l'art conceptuel, a conçu des meubles, a fait beaucoup de photographies, de l'art sonore, des livres. Il considère que c'est le jeu amusant de sa retraite qu'il s'offre : l'aspect Churchill de jouer avec la peinture et d'avoir l'argent pour explorer les pigments, penser aux pigments et à l'histoire. 

Ainsi, pour Join, la peinture n'est pas une question de résultat, mais de réflexion, d'intention, d'action.

"La plupart des peintres se décolorent avec l'âge... comme moi... mais ce n'est pas comme chanter ou jouer d'un instrument... je peux me tromper et faire semblant... sans blesser personne !"

La plupart des artistes disparaîtront, mais brillons aujourd'hui pour inspirer les autres demain ! 

En : Artistes

Artiste en vedette : Rose Kamma Morrison

Rose Kamma Morrison est une artiste canadienne basée en Colombie-Britannique, au parcours intéressant et à la personnalité très forte. Elena, la propriétaire de RUSART, a "rencontré" Rose en ligne en 2020, juste après le début de la pandémie de COVID-19. Elena a fait ses premiers échantillons de peinture et Rose a répondu à l'appel des volontaires pour tester ses peintures. Depuis, Rose inspire Elena par sa forte personnalité et son parcours d'artiste malaisé.

"Mon horizon est plus large que ma vision étroite. - Rose Kamma Morrison

À l'âge de 16 ans, on a diagnostiqué chez Rose une Syndrome d'Usher (sourd/aveugle) lui a appris à regarder, à sentir et à créer. Elle s'intéresse à tout ce qui touche à l'extérieur.

Rose est plus heureuse lorsqu'elle profite de l'expérience de la course à pied, de la randonnée, de l'escalade, de la natation, du ski, du kayak et des voyages. Vivant sur la côte ouest du Canada, les montagnes, les routes secondaires, les forêts, l'océan et les lacs sont devenus son terrain de jeu. Lorsqu'elle s'éloigne de ces activités de plein air, Rose se perd dans le monde de l'art, utilisant l'aquarelle, le crayon, l'encre, les techniques mixtes et la photographie.

Artiste en vedette : Rose Kamma Morrison Au cours de sa scolarité, Rose a profité de tous les cours d'art pour se familiariser avec différents médiums et, plus tard, pour suivre des cours d'art dans un collège local.Elle a refusé de laisser le syndrome d'Usher la définir ; elle préfère exprimer la beauté dans son art, c'est ainsi qu'elle voit son monde.

Avant de prendre sa retraite, Rose était décoratrice d'intérieur et consultante en peinture. Sa plus grande réussite est d'avoir élevé sa magnifique fille, Emily. Elle vit avec un homme merveilleux, Chris Morrison, qui est le pilier de sa force et la soutient dans tout ce qu'elle fait. Il lui a enseigné tout est possible. "Mon amour et mon amie". - Rose dit.

Rose est toujours reconnaissante à sa mère qui a refusé de croire qu'elle devait être placée dans une institution. C'est grâce à elle que Rose s'est épanouie. Et grâce à son père, Rose a la passion du plein air, des sports et le sens de l'aventure. C'est grâce à toutes ces personnes que Rose est devenue ce qu'elle est aujourd'hui.

Artiste en vedette : Moon Night et Tree Rose MorrisonLa perte continue de la vue lui a appris beaucoup de choses sur le deuil. Le deuil peut être interprété sous une forme artistique, même si la perte peut sembler abstraite ou surréaliste, elle est unique pour chacun d'entre nous et nous pouvons tous en faire l'expérience.

Vous pouvez trouver les œuvres de Rose sur Facebook : https://www.facebook.com/RTKMorrison/ ou sur Instagram : @rosetkmo

Comment utiliser le médium copal dans la peinture à l'huile
En : Pratique

Copal dans la peinture à l'huile

Il existe de nombreux types d'additifs et de renforçateurs pour la peinture à l'huile (y compris la résine de copal) et chacun d'entre eux a sa propre utilisation. En général, nous pouvons identifier 6 types de matériaux qui peuvent être ajoutés aux peintures à l'huile. Ils ont tous des objectifs et des utilisations différents.

Peinture à l'huile : principaux produits chimiques :

  • différentes sortes d'huile (lin, noix, pavot, etc.)
  • Résines, colophanes et gommes naturelles (gomme de térébenthine, ambres, copal, dammar, etc.)
  • Résines synthétiques (alkydes)
  • Solvants (white spirit, essence de térébenthine, etc.)
  • Cires 
  • Huiles essentielles

Parlons-en résine copal et le médium en fonction de cette gomme. D'après nos recherches, les anciens maîtres, dont Léonard de Vinci, utilisaient de nombreux médiums différents pour expérimenter la peinture à l'huile. L'un d'entre eux était l'ambre. 

Vernis ambré pour peinture

Ambre Le vernis est l'un des plus anciens. Les habitants de l'Égypte ancienne l'utilisaient pour les tombes. Ils préchauffaient l'ambre composite à l'aide de torches ou de fer et le polissaient ensuite pour obtenir la brillance et la transparence souhaitées. À l'époque de la Renaissance, le vernis à l'ambre était également très utilisé pour renforcer les films de peinture. Avec le temps, le chauffage a été remplacé par des produits chimiques et, au lieu de faire fondre les gommes, les fabricants ont commencé à les dissoudre dans du white spirit et de l'essence de térébenthine.

Cependant, l'ambre est un ingrédient assez cher. Vous pouvez le constater en regardant les prix des bijoux qui contiennent de l'ambre. Les artistes ont donc cherché un substitut moins onéreux à l'ambre et ont trouvé d'autres résines qui fonctionnaient de manière similaire. L'une d'entre elles était le copal. 

Le copal comme substitut de l'ambre

Le copal est une résine extraite d'arbres de la famille des Burséracées, qui fournissent de nombreuses autres sortes de résines intenses, comme l'encens ou la myrrhe. Polymérisées, ces résines offrent des qualités proches de l'ambre. 

Le copal, contrairement aux autres résines utilisées pour la peinture à l'huile, pénètre à l'intérieur des couches picturales et forme une seule substance avec elles. Cette propriété rend le film d'huile (après séchage) plus solide et plus résistant aux produits chimiques, à l'humidité et à d'autres influences environnementales. Elle confère également plus d'élasticité à la couche, ce qui la rend plus résistante aux dommages physiques. Il suffit d'ajouter un peu de médium copal à vos peintures.

Léonard de Vinci a utilisé la gomme de copal mélangée à de l'huile de noix blanchie au soleil comme médium de peinture, à la recherche d'un vernis perpétuel. Et RUSART a recréé l'une de ses recettes de huile de copal moyenne sur la base des manuscrits trouvés.

Vous pouvez également utiliser le médium copal comme vernis, lorsqu'il est appliqué sur votre peinture. Cependant, les restaurateurs n'aiment pas cela, car le vernis au copal ne s'enlève pas et scelle votre peinture pour de bon. Par conséquent, si une restauration est nécessaire, elle ne peut pas être effectuée. Utilisez donc le copal comme agent de peinture, mais évitez de l'utiliser pour les couches supérieures afin de prolonger la durée de vie de votre œuvre d'art.

(c) Elena Nahum Leroy

Rencontrez notre sympathisante - Kathy Van Gogh
En : Artistes

Rencontrez notre sympathisante - Kathy Van Gogh

Rencontrez notre sympathisante - Kathy Van Gogh

Kathy Van Gogh a beaucoup contribué au développement de RUSART, en tant qu'artiste, testeuse et fournisseur de matières premières.

ElenaKathy, propriétaire de RUSART, et Kathy se sont rencontrées en 2019 à Vancouver, en Colombie-Britannique, juste avant le début de l'année scolaire. Art Vancouver où Kathy exposait ses magnifiques œuvres d'art et donnait deux ateliers. En tant qu'enseignante, Elena y a également donné un atelier de pastel.

En tant qu'artiste professionnelle, Kathy a aidé Elena à tester des aquarelles naturelles, en lui fournissant des commentaires honnêtes et fiables et en partageant son expérience avec d'autres artistes. En 2020, lorsque Kathy a pris sa retraite et fermé son entreprise de peinture pour meubles (voir ci-dessous), elle a généreusement fait don à RUSART d'un grand nombre de matières premières et de fournitures d'emballage. 

Elena est très reconnaissante à Kathy pour son énorme contribution à la petite entreprise RUSART.

Qui est Kathy Van Gogh ?

Kathy van Gogh est une artiste visuelle professionnelle depuis 2001, même si, comme la plupart des artistes vous le diront, elle a été obsédée par la couleur et la créativité tout au long de sa vie.  Elle a commencé sa formation aux États-Unis et au Canada. Pour parfaire ses connaissances, elle a voyagé en Italie et en France. C'est là qu'elle a appris auprès des maîtres authentiques des formes d'art anciennes, notamment :

  • l'ornementation,
  • billes,
  • les grains de bois,
  • dorure,
  • les travaux de plâtrerie,
  • fabrication de peinture
  • et à peu près toutes les autres branches de ce que l'on appelle généralement les art décoratif.

La carrière d'artiste de Kathy

Dans un premier temps, elle a ouvert sa société de design appelée FAKE ITOn l'appelle ainsi parce que son travail consiste à donner aux murs l'apparence de murs vieux de 2000 ans ou à transformer des cloisons sèches en de magnifiques finitions à couper le souffle.  Kathy a réalisé des centaines de projets dans certaines des maisons les plus prestigieuses de Vancouver. Son travail a été présenté dans de nombreuses publications, notamment Home Makeover Magazine, Designer Baths, The Sun, The North Shore News, The Province, The Richmond News et bien d'autres.

En 2007, Kathy a ouvert le seul studio d'enseignement de cette forme d'art dans tout l'Ouest canadien, Studio van Gogh.  Aujourd'hui, en tant que leader et innovatrice reconnue dans l'industrie, Kathy a voyagé dans le monde entier pour enseigner ses méthodes et son art à d'autres.  

L'évolution naturelle de son sens des affaires et de l'art l'a amenée à créer une ligne de produits appelée Van Gogh Furniture Paintology.  Ils sont spécialement conçus pour la remise en état des meubles.  En fait, Kathy a puisé toutes ses connaissances dans le monde autrefois exclusif de la peinture décorative et les a rendues accessibles à tous avec sa ligne de produits artistiques et amusants Fossil Paint.

Aujourd'hui, Kathy ne travaille plus que sur des toiles et a fermé son entreprise de peinture pour meubles.  Son travail peut généralement être décrit comme de l'impressionnisme abstrait. Elle travaille à l'acrylique, à l'aquarelle, aux plâtres et aux encres, ainsi qu'à ses propres peintures et plâtres faits à la main.

La devise de Kathy : Laissez votre marque !

KathyvanGogh@telus.net 

Vous souhaitez devenir un de nos supporters - bienvenue !

Cours d'art avec un artiste professionnel - tous les niveaux sont les bienvenus
En : Actualités

"Mon but est de vous aider à vous découvrir en tant qu'artiste" - Elena NL

Elena Nahum Leroy est une professeure d'art qui enseigne le dessin et la peinture depuis 2009 (en personne et en ligne). Vous trouverez ici les questions les plus fréquemment posées concernant sa façon d'enseigner et ce que vous pouvez attendre des cours avec elle.

Quelle est l'expérience d'Elena en matière d'enseignement ?

Elena donne des cours depuis 2009 et a franchi la barre des 2000 élèves depuis lors. En hiver 2020, juste avant les restrictions de COVID-19, elle avait environ 80 élèves à qui elle enseignait personnellement sur une base hebdomadaire et son école RUSART Fine Arts Co. comptait au total plus de 200 étudiants en art "hebdomadaires".

Quels sont les moyens d'expression d'Elena ?

Il existe de nombreux supports artistiques en 2D :

  • acrylique,
  • huile,
  • aquarelles,
  • pastel doux,
  • pastel à l'huile,
  • dessin,
  • encre,
  • marqueurs,
  • crayons de couleur,
  • collage,
  • des médias mixtes.

Selon votre niveau, Elena peut vous aider avec les médiums.

Cours d'art dans la région d'Ottawa - enfants, jeunes, adultes, préparation de portfolioNiveau débutant signifie que vous n'avez jamais utilisé tel ou tel médium auparavant ou que vous avez eu l'occasion de vous amuser (comme lors des fêtes de la peinture). Elena peut vous initier à tous les médiums répertoriés, du niveau débutant au niveau intermédiaire supérieur.  

Intermédiaire supérieur signifie que vous pouvez travailler librement sur un certain support, mais que vous avez toujours besoin de conseils professionnels sur vos idées, l'utilisation des matériaux, l'équilibre des couleurs et la finalisation de votre projet (comme la préparation d'un portfolio). À partir de là, Elena peut vous aider dans les domaines suivants

  • acrylique,
  • huile,
  • aquarelles,
  • pastel doux,
  • pastel à l'huile,
  • dessin,
  • crayons de couleur,
  • collage,
  • des médias mixtes.

Et si vous avez besoin d'aide à Niveau avancéElena peut vous aider lorsque vous pouvez travailler librement sur un certain support, mais que vous avez besoin d'une connaissance plus approfondie des techniques, des matériaux, des pâtes, des propriétés d'archivage, etc :

  • acrylique,
  • huile,
  • aquarelles,
  • le dessin, et
  • des médias mixtes.

Cours de peinture à l'huile pour jeunes et adultes à OttawaQuel est l'objectif de l'enseignement d'Elena ?

"Je suis sûr que si vous décidiez de prendre des cours d'art vous êtes déjà un artiste à l'intérieur et mon rôle est de vous aider à vous retrouver." - C'est ce que dit Elena de sa façon d'enseigner.

L'art n'est pas une science et ce qui fonctionne ici peut ne pas fonctionner ici. Oui, il y a beaucoup de règles à connaître, mais suivre les règles n'est pas la clé. Par exemple, nous pouvons trouver des "erreurs" dans les chefs-d'œuvre de Rembrandt, Michel-Ange, Eduard Manet, Edgar Degas et de nombreux autres maîtres et artistes célèbres. Mais leurs œuvres sont des chefs-d'œuvre, quelles que soient les "erreurs". C'est l'âme, et non les règles, qui donne vie à une image et la rend remarquable. L'objectif des séances d'art ici est donc de permettre à un autre artiste - VOUS - de se manifester.

A quoi ressemblera votre cours d'arts plastiques habituel ?

Vous choisirez avec votre professeur un projet pour vos cours d'art. ensemble. Un projet qui correspond à vos goûts, vos objectifs et vos compétences. Elena vous présentera différentes façons de réaliser ce projet et vous choisirez celle qui vous convient le mieux. Elena vous expliquera pas à pas ce qu'il faut faire. pour créer votre propre œuvre d'art à VOTRE FAÇON. Vous apprendrez les bases de la composition, de la perspective, de l'utilisation des matériaux et du mélange des couleurs.

Plus vous ferez de projets avec Elena, plus vous apprendrez de styles et de techniques. L'objectif est de présenter autant de styles et de techniques que possible, afin que vous puissiez à l'avenir choisir ce qui vous plaît le plus et vous retrouver dans les arts. Même si vous trouvez que tel ou tel style est trop difficile ou ne correspond pas à votre personnalité, vous avez au moins essayé et fait un choix. Normalement, les étudiants préfèrent commencer par le réalisme (académisme), qui est la méthode d'étude classique.

Leçons privées de dessin au crayon en Ontario et au QuébecQu'en est-il des devoirs et de la pratique indépendante ?

Parfois, on vous demandera de commencer à peindre ou à dessiner à partir de ce que vous voyez, sans instruction pendant une courte période, mais avec un retour approfondi de la part d'Elena. Il peut être un peu frustrant au début de travailler seul, mais c'est la seule façon de s'en sortir. développer l'observation compétences, réveillez votre esprit, révéler votre personnalité artistiqueet finira par vous faire indépendant.

Si une peinture ou un dessin implique des répétitions, on peut vous proposer de faire des choses répétitives à la maison, à condition que vous disposiez du temps et de l'espace nécessaires pour faire vos devoirs. Oui, nous essayons de vous faire gagner du temps en classe.

Elena peint-elle pour ses élèves ?

Il se peut que vous constatiez de grandes améliorations après les premières séances ou que cela prenne un peu plus de temps, mais vous verrez certainement des progrès dès la première leçon. Il se peut que les parents et les amis pensent qu'Elena dessine ou peint pour ses élèves. Ce mythe a complètement disparu après qu'elle soit passée à l'art en ligne.
leçons en période de pandémie. Il n'est pas question qu'elle touche à votre travail via le zoom.

Mais elle peut aussi faire des démonstrations sur votre travail lorsque c'est vraiment nécessaire ou apporter une touche finale à la demande d'un élève. Tout cela est valable aussi bien pour les enfants que pour les adultes.

Elena aide-t-elle à la constitution d'un portefeuille ?

Les élèves d'Elena reçoivent des prix, participent à des expositions d'art et vendent même leurs peintures ! Et oui, Elena aide également préparer des portefeuilles pour les universités, les établissements d'enseignement supérieur et les écoles d'art.

Où puis-je en savoir plus sur Elena Nahum Leroy ?

 

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